P 4 1 5

2009-01-07T18:21:00.026+01:00

Pour notre plus grand plaisir et intérêt, dans la petite salle du théâtre Monnot à Achrafieh, reprise des concerts de musique improvisée libre initiés par le collectif libanais MILL, organisateur du festival Irtijal.

Charbel Haber

En ouverture, un solo de Charbel Haber, chanteur et guitariste du groupe de rock libanais Scrambled Eggs. Sa musique se caractérise par la mise en boucle d'éléments récurrents, un soin de l'irrégularité, une édification méticuleuse de chocs, frottements, résonances, excitation des cordes, frappes, ebow ; utilisation de quelques pédales d'effets et d'objets.

Une pièce en trois parties introduite par un drône assez ambiant, dans les registres grave et médium, s'ouvrant en un lent crescendo, une horizontalité, calme et sensuelle. Suit un passage assez fébrile de superpositions arythmiques, par petites touches, de bruits, un peu bancal, décousu. Quelques traits d'ebow finissent par y installer une certaine poétique. La troisième partie clôt la pièce sur du gros son saturé par de la reverbération et de la distorsion apportant une qualité sonore très particulière ; le phrasé mélodique, est volontairement noyé dans les effets noise des pédales et du volume poussés à fond, et relégué dans un plan sonore très lointain. Charbel Haber poursuit son exploration des genres en passant du post rock aux expérimentations sonores, travail qui devrait se concrétiser bientôt dans un opus discographique mêlant Scrambled Eggs et musiciens improvisateurs à la manière des travaux sur SYR de Sonic Youth. Une réussite en soi.

Mazen Kerbaj

Raed Yassin

Sharif Sehnaoui

A Trio est formé de Raed Yassin, Mazen Kerbaj et Sharif Sehnaoui. Les instruments (respectivement contrebasse, trompette et guitare acoustique) sont joués préparés ; usage de plaques métalliques, tournevis, baguettes chinoises, bols chantants, plomb, règle, tuyaux, etc... Une pièce de 35 minutes ininterrompue, entretenue par une activité physique permanente. L'écoute irréprochable domine de bout en bout la musique. La pièce se déploie naturellement sans effort, dans une dynamique constante, comme s'il suffisait uniquement de laisser les sons - par leur réalité acoustique - occuper l'espace, éprouver l'épuisement naturel de ce qui intrinsèquement les constitue ; suivre la voie indiquée par l'intention, l'écoute, et qui se transforme ensuite dans leur combinaison. A aucun moment l'énergie commune ne flanche ; les crépitements, le feu, le vent, paysage de manufacture robotisée, environnement urbain, harmonies célestes, cris du cœur, râle de fin d'un monde, tout est joué sans précipitation, sans jugement, par une économie de geste ou au contraire par l'engagement dans l'instrument des corps, courbés, contorsionnés, embrassant littéralement la matérialité instrumentale pour mieux en façonner leur matière sonore ; telle une architecture organique faite de physique acoustique, de lambeaux de peaux et de suées. Un excellent concert !

A Trio

2009-01-04T15:44:00.006+01:00

[...] L'argent et le pouvoir sont à prendre pour qui les veut, presque un cadeau, il n'est même pas difficile de s'en emparer. Ce sont bien sûr les escrocs les plus habiles qui emporteront la mise. Toutes les réticences sont devenues inadéquates, tous les distinguos ont disparu. Il n'y a plus de classes supérieures que l'on désire se concilier, ou dont on veut obtenir les faveurs ; il n'y a plus de classes inférieures auxquelles on doive rendre des comptes. Il n'y a plus d'opinion publique. Il n'y a personne pour manifester son mépris de tout cela, hormis une poignée d'entre nous (...). (C'est une chose connue à Zurich, où tout cela ne les intéressait pas, que Lénine vécut en face du café Voltaire. Il n'alla jamais y discuter ; il avait son jardin à cultiver. La seule défense irréductible que je connaisse, même si elle n'est pas victorieuse, est la liberté d'expression. Manifestement l'art ne dit rien à la majorité des gens, mais il est difficile de se tromper sur le sens du mot NON.) Les dirigeants ne veulent pas s'embêter à faire des distinctions entre les faibles qui de toutes façons n'ont aucun pouvoir, Ils simplifient donc. Plus les masses sont homogènes, plus il devient facile d'en tirer de l'argent, de les exploiter, de concocter des guerres. Pour la génération de chefs d'entreprise de l'époque Reagan, tout cela n'est qu'un jeu d'enfants, qu'à la surprise générale ils ont gagné, un monde à la struwwelpeter, un monde de jeux cruels. Pour leurs successeurs immédiats, la seconde génération, qui espère le pouvoir et l'argent, les menaces deviendront réalité, la répression sera efficace, les guerres préventives : c'est-à-dire que des guerres seront nécessaire pour se garantir contre leur fin. Soyez sur vos gardes, le déclin des Etats-Unis ne sera pas aussi pacifique que celui de l'Empire britannique, ou de l'Union soviétique.

écrit en 1990

Donald Judd - Ecrits 1963-1990 (daniel lelong éditeur)

Eloge de la fadeur

2008-03-07T22:36:00.003+01:00

[...] Mais une justification d'ordre plus général (anthropologique) ici s'impose - que je résumerai ainsi. Comment comprendre, en effet, cette dimension "morale" de l'émotion, et son pouvoir sur nous (sa valeur d'art) ? Pour les Chinois, l'émotion est une "réaction" à l'incitation du dehors (gan) qui nous met en branle intérieurement (dong). Elle est d'autant plus profonde en nous que ce à quoi nous réagissons - à l'extérieur de nous - est important - d'un grand enjeu. Aussi, plus elle est profonde, moins elle est individuelle, limitée à notre intérêt personnel (égocentrée) : plus elle nous fait éprouver, au contraire, la richesse du lien qui nous relie au monde et combien nous sommes partie prenante du grand procès des choses. Elle ouvre alors notre subjectivité à la solidarité des existences, à l'interdépendance des réalités, la fait sortir de son point de vue particulier - exclusif et borné. C'est en raison de cette intensité qu'elle est en mesure de nous faire "communiquer" au travers du réel, de nous élever à une perspective communautaire (le sens du ren confucéen) : plus elle est profonde, donc, plus elle est morale. Plus elle peut aussi ébranler les autres en profondeur et sans limitation d'objet ou d'intérêt. Ainsi, la vocation morale de l'émotion ne rétrécit pas le sens, ne réduit pas ses possibilités (comme dans notre poésie moralisante et didactique) ; au contraire, en l'enracinant davantage (je veux dire : en le faisant davantage accéder, à travers notre sensibilité, au "fondement" des choses et de la vie), elle déploie d'autant mieux celui-ci - jusqu'à l'infini. Et c'est cette portée du sens qui fait sa beauté.

Eloge de la Fadeur de François Jullien - ed. Biblio Essai Livre de Poche

The Great Snowball Tour'08, un aperçu des lieux

2008-03-01T23:40:00.128+01:00

Du 8 au 25 février j'ai effectué une tournée aux USA (The Great Snowball Tour'08) avec Jack Wright, Andrea Neumann et Wade Matthews (Portland & Seattle). Sur le chemin nous avons joué avec d'autres invités et changé d'endroit presque tous les jours. Voici quelques clichés des lieux où nous avons joué durant la tournée. Ces photos, prises avec mon téléphone portable, sont de piètre qualité mais elles ne sont là que pour témoigner de la diversité des lieux qui nous ont été proposés.

• Vendredi 8 février, j'arrive à New-York aéroport de Newark, le ciel est bien dégagé et je peux admirer durant la descente l'impressionnante Manhattan. Nous partons directement à Easton en Pennsylvania dans la maison de Jack.

• Samedi 9 février, nous allons chercher Andrea Neumann à l'aéroport de Philadelphia. Elle reste bloquée presque 2h30 au contrôle parce que l'administration américaine est tout simplement très lente ce jour là ! Nous devons rouler très rapidement pour rejoindre Baltimore, ville du premier concert de la tournée. Nous jouons au RedRoom, une pièce toute rouge à l'intérieur d'une célèbre librairie de livres d'occasion et de disques de tous genres.

la librairie

la salle rouge dite RedRoom, à Baltimore. L'acoustique est bonne et l'espace très convivial et chaleureux. L'audience est aguerrie.

Je joue un trio avec Bonnie Jones (élec.) et Paul Neidhardt (perc.) et un trio avec Andy Haylek (perc. et scie) et Andrea Neumann (cadre de piano, table de mixage). Tous présents sur la photo.

• Dimanche 10 février, après une nuit à Baltimore nous partons jouer à Washington DC, la capitale administrative des USA. Nous jouons dans un club, Le Velvet Lounge, principalement dédié aux musiques rock.

le Velvet Lounge, n'est pas très grand et se présente sur deux étages. En bas le bar et en haut la salle de concert. Il y fait froid...

Nous attendons dans le bar l'arrivée de l'ingé-son. Nous allons jouer avec les musiciens de la veille, comme vous pouvez le constater.

La salle de concert pas adaptée à la diffusion électroacoustique nous vaut quelques tensions avec le technicien pas du tout sensible à nos besoins. Il a fallut beaucoup de calme et de tact pour obtenir de jouer au sol devant les speakers. L'acoustique sur la scène est déplorable mais dans la salle ont peut espérer une amélioration notable. Le public est peu nombreux et réceptif.

Je joue un trio avec Jack et Andy, un court solo de 10 mn et pour finir le sextet avec Jack, Andrea, Bonnie, Andy et Paul.

• Lundi 11 février, nous remontons en voiture à New-York pour jouer dans le loft d'un photographe. L'ambiance est très familiale et amicale, excellente cuisine de maison, enfants qui vadrouillent...

L'entrée du Fotofono, à Brooklyn NY. Le loft est au premier étage.

La salle où nous jouons avec comme invités Bryan Eubanks (élec.) et Tucker Dulin (tromb.). L'acoustique est celle d'une chambre standard, plutôt agréable à jouer. On sent un public surtout spécialiste.

Je joue un court solo de 20 mn et un quartet avec Jack, Andrea et Bryan.

• Mardi 12 février, je dors chez Bryan dans Brooklyn. La journée, nous visitons un musée avec Andrea et le soir Wade Matthews (laptop) nous rejoint pour un concert dans la Safe-T-Gallery.

Cette galerie est située dans un immense bâtiment rempli d'autres... galeries ! L'espace n'est pas très grand et c'est pour eux le lancement d'une série de concerts expérimentaux. Une première en somme... Ce soir là une tempête de neige souffle sur New-York qui se drappe d'un épais manteau blanc (cf photo tout en bas).

D'autres musiciens nous rejoignent, Andrew Drury (perc.) et Gregory Reynolds (sax ténor).

Pendant l'installation nous sommes dérangés par le déclenchement d'une alarme à incendie qui nous oblige à quitter les lieux, puis à y revenir. Le chalumeau d'un ouvrier qui travaille dans une galerie au même étage en est la cause... Le son est bon comme dans un cube de béton. L'audience est réduite et plutôt familière.

Je joue un trio avec Jack et Andrea. L'alarme à incendie se déclenche pendant le concert.

• Mercredi 13 février, c'est le grand saut vers l'ouest. Nous partons avec Wade pour notre série de concerts sur la West Coast. Direction Seattle et son festival qui est aussi notre point de chute. Nous voyageons avec des compagnies aériennes différentes et partons de terminaux disjoints. Le temps sur New-York bouleverse l'horaire de mon vol. Il est retardé de 3 heures ! Coups de téléphone... attente interminable. Etude des comportements sociaux américains. Finalement le départ arrive. Avion d'un total inconfort et obligation de payer la bouffe et la visionneuse de films. Il ne me reste donc plus qu'à dormir plus de trois heures. Le vol de 5h30 me paraît finalement assez court. J'arrive à minuit au lieu de 21h. Et "heureusement", Wade ayant subit le même désagrément, nous nous retrouvons tous avec Gust Burns, le responsable du festival de Seattle, aux manèges à bagages. Nous dormons chez l'habitant, un couple dont la femme, Shawn, doit nous conduire le lendemain à l'aube prendre le train de 7h 30 pour Portland.

• Jeudi 14 février, réveil donc à 6h30, Shawn conduit un pick-up blanc. Nous déposons tout le matériel de Wade à l'arrière et nous nous serrons comme des sardines sur l'unique siège à l'avant ! Shawn roule très lentement, et malheureusement beaucoup trop, si bien que nous arrivons très juste à la gare de Seattle. La guichetière ne retrouvant pas les informations concernant nos réservations pré-payées, nous fait rater définitivement le départ du train et repayer par la même occasion d'autres billets... Seulement 4 heures à attendre avant le prochain train ! Nous déboulons finalement à Portland autour de 16h.

Jonathan Sielaff, l'organisateur du concert venu nous chercher à la gare nous conduit à l'hotel puis à la galerie. Le concert initialement prévu au Portland Art Center est déporté dans une petite salle, la galerie New American Art Union.

Wade s'installe en attendant les autres musiciens, Jean-Paul Jenkins (g.) et Matt Hannafin (perc.). La salle tout en longueur est haute et le son est très bon. Le public n'est pas très nombreux et très réceptif.

Je joue en duo avec Wade puis en quartet additionné de Matt et Jean-Paul.

• Vendredi 15 février, Jonathan nous reconduit à Seattle en voiture car il participe également au Seattle Improvised Music Festival du 15 au 17.

• Vendredi 15 et Samedi 16 février, les deux premiers soirs du festival se passent au Good Shepherd Center. Une énorme bâtisse historique qui jadis était paraît-il une maison de correction pour jeunes filles.

Les concerts ont lieu dans cette très grande salle à l'acoustique étonnement assez mat et trompeuse, la Chapel Performance Space. Le public est conséquent, habitué mais assez indulgent.

Le premier soir je joue un solo, et le second soir je joue un duo avec Gust Burns (piano) et un autre duo avec Wade Matthews (laptop).

• Dimanche 17 février, les concerts ont lieu dans la petite Gallery 1412 qui a accueilli le samedi précédent un workshop de Wade.

Installation des musiciens après une balade dans le port, le front de mer et l' Olympic Sculpture Park de Seattle. La salle est tout en long avec une scène ridicule au fond. L'acoustique n'est pas très bonne. Le public est nombreux et toujours aussi indulgent en apparence !

Je joue en quartet avec Wade, Chris DeLaurenti (tr. et élec.) et Tyler Wilcox (sax ténor).

le compte-rendu subjectif d'un auditeur en suivant ce lien

• Lundi 18 février, je laisse Wade à sa destinée solitaire pour repartir à l'est. Levé à 5h30, Shawn, me conduit cette fois-ci sans aléa à l'aéroport. J'ai le temps d'appeler Beyrouth pour souhaiter un joyeux anniversaire à mon fils. Il a 4 ans aujourd'hui et je suis si loin ! Il est malade, il ne veut pas me parler... Le ciel est totalement dégagé si bien que pendant presque la moitié du vol je peux sans me lasser admirer la Terre qui compose une œuvre picturale abstraite faites du mélange des teintes de brun du sol agricole et des couches stratifiées de neige immaculée. Le blanc semble être étalé à grands coups de pinceaux. Les lignes de démarcations des champs forment des figures géométriques variées, les couches de glace des rivières et des lacs apportent leurs teintes de transparences contrastées. Les constructions font autant de petites tâches parallélépipèdiques. A l'approche des grands lac le ciel s'obscurcit de gris et de gros nuages masquent la continuité de cette œuvre sans fin. L'atterrissage se fait dans des conditions climatiques pourries, je crois bien que l'avion a d'abord touché d'une roue avant de poser les autres et de tanguer de droite et de gauche, secoué par les bourrasques de vent. "Je crois qu'on peut féliciter le pilote" nous a fébrilement conseillé l'hôtesse de l'air tout en reprenant son souffle ! Ensuite direction Easton par le bus pour retrouver Jack et Andrea et achever le Snowball Tour'08.

• Mardi 19 février, en route vers Princeton où nous attend Seth Cluett (tapes rec, élec.) qui organise au sein du Terrace Club Princeton University une série annuelle de concerts.

L'espace est contigu à la cafétéria et au resto U. Il est cossu, tout en boiseries et canapés de cuir. On s'attend à voir arriver de très nombreux(ses) étudiant(e)s curieux(ses) mais nous y avons eu peut-être notre plus réduite audience. Le son est très bon.

Je joue un duo avec Seth et en quartet rejoint par Jack et Andrea.

• Mercredi 20 février, journée de repos. La neige est tombée depuis la veille sur presque 30 cm d'épaisseur. Nous sommes rentrés à Easton. Andrea propose d'emprunter des films. Nous regardons un vieux film iranien "The cow", et le documentaire "The Lost Boys of Sudan".

• Jeudi 21 Février, c'est le dernier concert pour Andrea. Nous nous rendons à Philadelphia jouer dans la Gershman Y Borowsky Gallery.

Andrea installe son cadre de piano pour son ultime concert du Snowball Tour'08.

L'espace n'est pas très bien adapté à la musique du fait d'un mur de séparation qui le coupe en deux et nous oblige à avancer dans la salle. On se retrouve avec un espace, à moitié vide et à moitié plein, dans le dos. Le bruit de la rue et des visiteurs ne rendent pas le lieu totalement silencieux. L'audience est plutôt familière.

Je joue un trio avec Jack et Andrea.

• Vendredi 22 février, la nuit passée à Philadelphia dans la Spring Garden House de Jack, nous déposons Andrea à l'aéroport. Nous nous quittons ravis mais nostalgiques de l'instant privilégié que nous venons de partager tous les trois. Nous poursuivons avec Jack notre périple et repartons à Easton pour un concert dans la Connexion Gallery.

La galerie est une sorte de fourre tout de tableaux, d'objets d'artisanat, de poteries. Nous jouons dans une sorte d'arrière salle exiguë derrière la vitrine du fond. L'ambiance est très amicale, nous partageons un repas fait maison.

Pour l'occasion Reuben Radding (contrebasse) se déplace de New-York. Un gros chat roux est couché dans un des fauteuils. Le concert sera vraisemblablement très intimiste. L'acoustique n'est pas trop mauvaise. Le public principalement constitué d'amis est très réduit.

Je joue deux trios avec Reuben et Jack et un duo avec Reuben.

• Samedi 23 février, c'est notre dernier concert du Snowball Tour'08 avec Jack et nous allons jouer à Kutztown dans la Eckaus Gallery.

Le lieu favorise principalement la diffusion des pratiques expérimentales. L'audience est nombreuse et très jeune. Majoritairement des étudiant(e)s en art contemporain venu(e)s de l'université de la ville. L'acoustique n'est pas excellente mais l'écoute est relativement bonne.

Je joue un duo avec Jack.

• Dimanche 24 février, je fais mes adieux à Jack. Le travail qu'il a accompli pour l'organisation de ces concerts est formidable. L'énergie qu'il met à diffuser partout où la musique peut sonner et être écouter est respectable. C'est un des principaux activistes de l'expérimentation artistique aux USA.

En marge de ce tour, je retourne à New-York pour deux derniers jours de concerts avec Bryan Eubanks (élec.). Nous nous retrouvons à la New-York Public Library et marchons jusqu'à Columbia University en empruntant Broadway. Une longue marche dans Manhattan pour sentir la mutation de la ville; du centre des affaires avec ses vertigineux buildings vers les immeubles d'habitations résidentiels.

La radio WKCR de la Columbia University m'a invité à venir jouer un solo dans leur studio. Je dois dire que cette perspective m'excite énormément. J'adore la radio et ce contexte particulier de la diffusion réellement acousmatique. L'équipe est composée d'étudiants jeunes et très efficaces. J'ai convié Bryan à me rejoindre pour une session complémentaire en duo. La pièce est assez bordélique, tout semble d'un autre temps; vieux magnéto à bandes Studer, canapé défoncé, piano en piteux état. Mais contre toute attente l'acoustique est très bonne.

Je joue un solo et un duo avec Bryan Eubanks.

• Lundi 25 février, c'est le dernier concert, il est programmé à la Knitting Factory, en plein Manhattan.

Dans la journée je retrouve Dave Gross (sax alto) devant la Downtown Music Gallery. Un marchand de disques de jazz et de musique improvisée très réputé et qui régulièrement accueille des concerts dans l'exiguïté de son espace. Nous faisons d'abord un peu le tour du quartier puis décidons d'aller à pieds jusqu'à la Knitting Factory. Nous en profitons pour traverser Chinatown, flâner et discuter d'art, de rock, de philosophie du son et refaire le monde de la musique expérimentale... en buvant des coups.

La Knitting Factory est une usine à gaz ! Plusieurs niveaux et des concerts partout en même temps. Ce qui pose quelques soucis de cohabitation entre les genres. Beaucoup plus axé sur le rock et le jazz, le lieu a progressivement délaissé les musiques improvisées et il semble que ce soir nous fassions le dernier concert de ce genre.

Nous jouons dans la salle la plus en sous-sol. Comme terrée on fond d'un trou sous un plafond assez bas et une acoustique affreuse. Le son à peine émis se vautre littéralement à nos pieds.

L'ossature de l'immeuble vibre des résonances drum & bass du concert de rock deux étages plus haut... Mais nous sommes très motivés à ne pas nous laisser abattre. Dave ne résiste pas à ce mettre à la batterie qui trône sur la toute petite scène en attendant les autres musiciens, Tucker Dulin (tromb.), Andrew Lafkas (contrebasse), Bryan Eubanks (élec.) et Barry Weistblat (élec.).

Je joue un duo avec Dave Gross et un quintet avec tous les autres.

• Mardi 26 février, je passe la nuit chez Bryan et reprend l'avion du soir direction Paris où je vais rester quelques temps avant de rentrer à Beyrouth.

• BONUS :

Downtown Music Gallery.

New-York-Manhattan sous la neige.

Le pont de Brooklyn.

La très talentueuse et sympathique Andrea Neumann à Philadelphia. J'espère bien ne pas avoir a attendre trop longtemps avant que nous rejouions ensemble.

L'énergique et très engagé Jack Wright, que je suis certain de retrouver avec plaisir un jour en vadrouille en Europe, ni jamais trop loin de ma porte !

Mon grand ami Wade Matthews qui sera toujours pour moi un partenaire privilégié.

Et enfin, Bryan Eubanks un excellent musicien et maintenant ami, avec lequel j'ai eu beaucoup de plaisir à jouer. Je ne doute pas que nos routes se croisent de nouveau très rapidement.

Voilà c'est fini...

Je veux ici remercier grandement Gust Burns et Jonathan Sielaff qui a eux deux ont rassemblé les fonds pour payer presque intégralement mon billet et me permettre de faire ce tour mémorable.

Rotonde de choc (Salle Noire), Marc Baron & Seijiro Murayama le 18/05/07

2007-05-19T15:17:00.000+02:00

La salle noire de l’espace Jemmapes est, c’est bien connu, un endroit à la fois incontournable et pourtant peu fréquenté dans le paysage parisien des musiques expérimentales, proposant bien souvent des formations de choix sous la programmation judicieuse et participative de Pascal Marzan. C’est aussi, sans rapport de cause à effet, un endroit particulièrement bruyant – l’unanimité en conviendra facilement – mal isolé, relégué à une extrémité du bâtiment et juxtaposé aux toilettes mixtes continuellement fréquentées dès les premières notes émises. Cela étant, cet aspect n’est pas forcément problématique en soi et se doit en cela d’être pris en compte par les musiciens qui s’y exposent.

Le vendredi 18 mai, nous avons pu écouter deux soli de musiciens à l’écoute attentive. Il s’agissait tout d’abord de Marc Baron au saxophone alto, auquel succéda Seijiro Murayama aux percussions dont le dispositif réduit comprenait une caisse claire et une cymbale. Je n’avais jamais entendu auparavant Marc Baron en solo, ne le connaissant qu’à travers l’excellent quatuor de saxophone auquel participent également Bertrand Denzler, Jean-Luc Guionnet et Stéphane Rives, et j’étais pour cela particulièrement curieuse de l’écouter dans cette expérience singulière qu’est pour « tout » musicien le solo.

Ce set dura environ 45 minutes durant lesquelles le silence, c’est-à-dire l’écoute par le musicien et le public d’une part de l’absence de son émis par le premier et d’autre part des rumeurs environnantes, prit une place considérable, à l’instar des performances de Taku Sugimoto ou de Radu Malfatti, fidèles compagnons de parties d’échecs animées. Sur ce fond de silence venaient alors se poser, avec précision mais aussi avec un certain caractère brut et détendu – c’est-à-dire simple au sens propre du terme et éloigné de toute perspective esthétisante –, quelques sons isolés, répétés selon divers agencements choisis hic et nunc conférant par là-même une dimension aléatoire à leur succession ; sons rares et clairsemés à la typologie réduite : souffle court, médium propice aux harmoniques, suraigu tenu et scintillant.

Cependant aussi attentive que fut cette écoute, celle-ci me sembla ne pas pouvoir considérer à leur juste mesure les bruits alentours, s’inscrire parmi eux afin d’y trouver une place qui profiterait pleinement du jeu indécis entre bruits et sons musicaux. L’une des raisons de cette position d’écart qui ne parvient pas à faire sien l’espace qui l’accueille était ici sans doute due en partie à la quasi absence de variations dans la dynamique des différents sons que Marc Baron nous souffla. Une dynamique piano pour l’essentiel, comme en position de retrait, cherchant une sympathie de climat dans les va-et-vient du couloir adjacent qui quant à eux n’y prêtaient guère attention, mais offraient, par ce même mouvement, la richesse ordinaire des rapports de volume de nos actions quotidiennes.

Cette caractéristique de la salle noire de l’espace Jemmapes prit un tout autre sens dans le second set de cette soirée. Là point de retrait, mais des sons parmi les sons, des gestes qui ne prêtaient pas une attention excessive à leur environnement, simplement occupés par leur mouvement dont la répétition durable, mais aussi différenciée, laissait place subtilement à leur résonance. Ce set de Murayama dura 30 minutes et se divisait en deux plages symétriques, l’une à la cymbale frottée dont la périphérie entrechoquait de temps à autre la surface de la caisse claire, provoquant ainsi de légers heurts harmoniques et l’autre à la seule caisse claire frappée dans un geste rapide et continu par des baguettes aux différentes qualités de timbre. Set rigoureux au formalisme assumé. Dès lors les spécificités du lieu ne l’étaient plus tant, convergeant vers un espace autre et pourtant non différencié que l’on aimerait appeler musique.

The Spectacle of Being The Spectacle: A homage to Guy Debord's first film: Hurlements en faveur de Sade.

2007-05-19T03:03:00.000+02:00

« A propos de ces souvenirs, j’ai détruit le cinéma, parce que c’était plus facile que de tuer les passants. »

Le mercredi 2 mai a eu lieu à la galerie Immanence un concert de Mattin en hommage aux Hurlements en faveur de Sade de Debord. Il s’agissait là d’un concert qui s’intéressait à la forme même du concert et qui dès lors s’apparentait davantage à une performance. La galerie était vide, sans scène ni musiciens ; comme seule présence autre que le maigre public réuni, des haut-parleurs en position frontale et quelques spots dirigés ici et là sur le public. Selon une partition similaire au film de Debord, la performance vit se succéder deux longues plages de bruit blanc diffusé à très haut volume, la pièce plongée dans un noir complet, entre lesquelles s’intercalait une plage de silence de durée voisine, la pièce cette fois-ci sur-éclairée par les spots allumés de manière synchrone avec l’arrêt net du bruit.

Le bruit blanc, son sans qualités par excellence, agissait dans les deux plages à la manière d’une masse. L’écoute ne s’adressait alors plus tant aux oreilles et leur ascendant habituel, mais au simple corps - matière convoquée dans sa présence. Cette adresse au corps du public - sa position d’écoute mais aussi sociale – était dirigée durant l’interlude plus spécifiquement vers la vue, mise à l’épreuve par l’éblouissement des spots silencieux, mais aussi en retour vers l’ouie, assourdie, reprenant par degrés lents sa place dans la hiérarchie des sens. Ces concerts sont finalement rares dans le champ des musiques expérimentales et pourtant ce sont ceux-là mêmes qui lui donnent un sens.

Irtijal-Paris aux Instants Chavirés, 10 & 11_02

2007-02-11T14:57:00.000+01:00

rédaction en cours, texte non définitif

Le Festival Irtijal (improvisation en arabe) créé en 2000 est organisé à Beyrouth par l'association Mill. On peut lire sur le site d'Irtijal cette note en préambule du tout premier concert : La première performance publique semi-officielle de musique improvisée libre au Liban. Depuis cette année fondatrice, le groupe de musiciens défricheurs composé de Christine Sehnaoui, Sharif Sehnaoui et Mazen Kerbaj (Rouba3i), œuvrant chaque année à faire découvrir une programmation de plus en plus internationale, a contribué à faire exister une scène d'expérimentation musicale composée maintenant d'un petit noyau dur très actif (Marc Codsi, Charbel Haber, Mayaline Hage-Boutros, Jassem Hindi, Bechir Saade, Raed Yassin). Aux Instants Chavirés, est organisé ce week-end Irtijal-Paris, une dizaine de concerts en soutien au festival libanais fragilisé depuis l'instabilité régionale de l'été 2006, et rassemblant quelques uns des artistes ayant participé aux éditions libanaises précédentes. Nous nous trouvons alors dans une attitude d'écoute transformée car, bien avant de juger de la musique, on ressent - tout comme les artistes - l'importance de faire acte de présence. Irtijal-Paris ouvre par des projections de films de Raed Yassin - 'Beyrouth consacré aux marginaux de la banlieue de la capitale - et Irtijal '05 de Patrick Bœuf et Sara Sehnaoui, témoignage visuel de la conduction d'un orchestre d'improvisation par Markus Eichenberger (le Domino Workshop Ensemble); images du workshop et du concert mêlées de vues de Beyrouth, de détails d'architecture, de sons urbains, d'appel à la prière, de circulation routière,... Un repas libanais, en milieu de soirée, suspend momentanément dans une convivialité chaleureuse le rythme soutenu des concerts. La musique, de tenue inégale mais toujours intéressante, confirme que la scène libanaise d'improvisation existe pleinement, émancipée de ses modèles occidentaux. Post-rock, free jazz, pop expérimentale, électronique, performance, video, convergent dorénavant autour de ce centre activiste beyrouthin pour créer au Moyen-Orient probablement l'unique courant d'expérimentations artistiques plurielles. Le public, constitué en grande partie de la diaspora libano-parisienne, manifeste un contentement de groupie bien étonnant mais totalement réjouissant, assez éloigné des réactions communes d'une audience rompue aux musiques les plus exigeantes.
Soulignons aussi que cette édition parisienne est née de la proposition d'Axel Dörner, David Stackenäs et Michael Zerang. Il est donc fort à parier que d'autres éditions hors-les-mur devraient rapidement s'organiser.
Signe que la vitalité de la scène libanaise contribue en ce moment à la dynamique mondiale des musiques improvisées et expérimentales.

Inch' Allah !

Béchir Saade & Markus Eichenberger

David Stackenäs & Bertrand Denzler

Rouba3i & Le Quan Ninh

Martin Küchen & Wade Matthews

Raed Yassin, Pascal Battus, Paed Conca & Kamel Maad

Jassem Hindi, Anastasis Grivas & Quentin Dubost

Discipline

Stéphane Rives, Wade Matthews & Mazen Kerbaj

Raed Yassin, Martin Küchen & Paed Conca

Eyear

Eddie's Workshop

2006-12-09T14:07:00.000+01:00

Les rendez-vous du Vendredi à la chapelle Welsh sur Southwark Bridge pour l’atelier d’Eddie Prévost sont devenu une tradition tellement ancrée dans la vie de l’improvisateur qui se trouve à Londres, que l’on se demande parfois si la musique improvisée libre ne s’institutionnalise pas par moment. Inutile de trop s’attarder sur cette polémique un peu stérile et passons plutôt en revue une journée typique de ce regroupement intimiste qui rassemble depuis plus de sept ans des musiciens venue du monde entier.

La phrase typique d’Eddie quand un nouveau musicien se pointe est la suivante : « Le but de cet atelier est d’étendre les limites de ton instrument ». A part ça, Eddie se fait entendre rarement. Résultat, beaucoup de musique et peu de parlotte, ce qui est déjà un bon point relativement aux ateliers où j’ai eu la chance de prendre part.

Déjà, Eddie n’a vraiment pas besoin de parler parce que l’atelier possède une certaine structure instaurée bien avant ma première visite. Le rituel de l’atelier est tel :

1- Une fois tous les musiciens installé Eddie désigne un musicien qui se met à jouer en duo avec le musicien à sa droite, jusqu’au moment où ce musicien arrête de jouer et laisse la place au musicien qui se trouve à la droite de l’autre. Et ainsi de suite jusqu’au moment ou la musique a fait le tour du cercle y compris le musicien désigné en premier qui joue son second duo avec le musicien à sa gauche.

2- Après ça, Eddie enchaîne en désignant des trios de son choix. C’est trios sont purement aléatoire et représente comme le dit Eddie « toutes les possibilités auxquels je pense au moment même. Si vous pensez qu’on peut faire autre chose n’hésitez pas à me dire ». Dès qu’un trio prend fin, Eddie sélectionne trois autres personnes. Et ainsi de suite.

3- Et pour finir, des quartets sauf que là, les formations se décident par les musiciens : un quartet commence puis dès qu’un musicien décide d’arrêter de jouer il choisit son remplaçant, et ainsi de suite jusqu'à ce que la musique prend fin d’elle-même.

(Pendant les quartets)

Cet automatisme imposé par des années de pratique en groupe, paraîtrait instaurer une certaine monotonie à l’approche musical. Mais plus j’y pense et plus j’ai l’impression que l’atelier d’Eddie personnifie le mieux ce que la musique improvisée devrait être, du moins dans la démarche à suivre. Premièrement parce que la seule règle qui reste au centre du travail c’est l’écoute. Deuxièmement parce cette manière de faire évite une bonne fois pour toute de tomber dans des envies de ‘compositions’.

Donc pas d’exercice ou on se concentre sur un ou plusieurs son, ou texture, pas d’exercice ou on défini une limite dans le temps. Pas d’exercice de volume, de densité etc. Le plus important reste la total liberté laissé aux musiciens. Ce qui fait que l’atelier connaît des changements d’orientations qui partent du free jazz à une musique complètement minimaliste et texturale.

De plus, cette manière de faire instaure une attitude ou une éthique de tolérance poussée à l’extrême. J’ai remarqué qu’on a facilement tendance à instaurer des règles implicite quand on joue, à mesure que les années passent. De fait, on se retrouve avec toute une gamme de critères d’évaluation qui hiérarchisent notre conception du style de l’improvisation.

Rien de mieux que l’atelier d’Eddie pour briser cet amalgame égocentrique. Ce qui ne veut pas dire que tout est bien tant que c’est du son, mais au moins, on se retrouve entrain de briser certaine de nos rigidités acquises dans le passé grâce à une constante écoute de tellement de différence. Les règles d’or restent l’écoute, l’intention, et la détermination (à poursuivre). Ni plus ni moins. Il reste que c’est possible d’entendre Eddie commenter. Mais il faut vraiment que quelque chose d’exceptionnel ce soit passé. Justement, quelque chose qui brise surtout la règle de l’écoute (quelqu’un qui a son ampli trop haut et qui clairement n’entend pas ce que l’autre fait.

(Matt Milton et Eddie Prevost)

La seule chose à noter c’est qu’il y a peu d’électroniciens qui vienne à cet atelier. La plus forte composante est constituée d’instrument à vent dont moi inclus ! Aussi l’utilisation non conventionnel des instruments reste timide (ce qui n’est pas en soit un problème, juste une observation de style) surtout pour les vents, la seule exception notable étant Seymour Wright qui parfois passe pour un acrobate mais ceci mérite une discussion séparé sur ce musicien très intéressant.

En ce moment si on a la chance de passer par l’atelier d’Eddie, on pourrait apercevoir, Ross Lambert (guitares) qui est là depuis qu’Eddie est là, Seymour Wright (alto saxophone), Matthew Milton (violon, scie musicale, objets), Jerry Wigens (clarinette) Nicholas Christian (basse électrique), Jennyfer Allum (violon), Noel Taylor (clarinettes), Romuald Wadych (guitare électrique). Sinon il y en a beaucoup d’autres que j’ai oublié de citer et je m’en excuse, et surtout y en a qui viennent s’essayer une fois ou deux et peut être qui revienne un mois après ou qui revienne jamais.

Demarchelier, Dubost, Forge, Hindi et Toulemonde - Rotonde de Choc 1_12

2006-12-02T23:17:00.000+01:00

Rotonde de Choc propose une programmation de concerts de musiques inclassables au sein même d'un espace municipal de la ville de Paris. En investissant régulièrement la petite salle cubique noire, Pascal Marzan permet à de nombreux artistes de se faire entendre dans un cadre où l'oreille est généralement à son aise, proche de la source, sensible aux détails. Une intimité d'écoute qui favorise bien souvent la réception des musiques les plus exigeantes. Un quintet rassemble pour l'occasion Matthias Forge, Nicolas Demarchelier, Jassem Hindi, Quentin Dubost et Olivier Toulemonde. La disposition des musiciens se fait en alternance des sources acoustiques et amplifiées. De la gauche vers la droite nous trouvons Nicolas au jeu de guitare acoustique très réductionniste - cordes frottées, grattées ou mises en résonance, glissements sur la caisse - dans un soucis d'interventions toujours simples et précises. Se trouve ensuite Jassem - avec son dispositif électroacoustique constitué de cassettes audio, ressorts, plaques et moultes objets ou appareils désossés - davantage connu pour une musique noise et extrême, se montrant là plutôt discret, calme avec une diffusion bien intégrée au son acoustique. Matthias en position centrale active la tuyauterie de son trombone par divers jeux de souffleries et de ventilations organiques. Vient ensuite Quentin flirtant de sa guitare électrique avec la limite de l'audible, très souvent à la frontière entre la perception et l'entendu - joli art de l'escamotage. Et totalement sur la droite, Olivier à l'œuvre sur sa planche de travail - de l'aggloméré à la surface composite - usant d'une batterie d'ustensiles variés (cf photo) pour recréer de façon totalement acoustique, par de véritables gestes instrumentaux, des matières aux allures électroniques. Improviser avec un ensemble aussi large et hétéroclite n'est jamais facile. Pour mon oreille ce qui a caractérisé la musique est l'impression de suspension, dans le fait qu'il m'a semblé qu'elle se situait presque constamment entre la stabilité d'intentions claires et assumées et le flottement du doute et de l'incertitude. Mais c'est bien cette présence de l'"inter" qui a porté l'ensemble vers une musique accordant une place prépondérante au silence, aux arrêts révélant par effet de contrepoint : interactions, interférences, interdépendance, interventions, interrogations. Toujours présente entre eux une qualité d'écoute autorisant une circulation d'idées dénuées de toute volonté d'affirmation individualiste. Une forme globale bipartite principalement minimaliste, pointilliste, interrompue par de plus massives incursions mais jamais totalement exarcerbées. Une constance de dynamiques et de volumes parfois brisée d'éclats. Un instant à la sobriété plaisante et rassurante.

Scnack & Waiswisz aux Instants Chavirés - Lieux Communs

2006-11-12T10:40:00.000+01:00

Ce concert est pour moi l'occasion de découvrir trois musiciens dont je ne sais pratiquement rien. Sur le plateau, The Hands II, l'instrument inventé par Michel Waisvisz, excite la curiosité. Le travail de Waisvisz implique des méthodes d'actions corporelles sur les sons échantillonnés - mouvements dans l'espace, accéléromètrie, détection dynamique,... Il n'est pas évident de décrire l'apparence de son instrument mais disons que la main s'y enfiche comme dans un gant. Ainsi, les mains déplacées dans le vide comme sur un piano virtuel, Waiswisz active de ses doigts des boutons savamment disposés et dont les fonctions sont méticuleusement répertoriées dans sa propre mémoire humaine qui presque se substituent aux datas confinées dans les mémoires électroniques. On comprend alors pourquoi son ordinateur est éloigné de lui, hors de sa vue. Son étrange regard, qui n'est pas uniquement celui intériorisé de l'écoute, reflète aussi un processing neurologique en action. Paul Hubweber et Uli Böttche quant à eux impressionnent par leur coordination. L'amplification et l'acoustique du trombone sont parfaitement traités dans un rapport de disparition/apparition donnant à maintes reprises à Paul Hubweber la possibilité d'être un acteur d'égale importance dans l'initiation des propositions sonores. Dans l'espace quadriphonique de diffusion les contrôleurs - Waiswisz & Böttcher - MIDI appuyés par LISA s'en donnent à cœur joie, bien souvent dans une débauche de sons éclatés, tronçonnés. Le tromboniste mêle interventions bruitistes à des sections plutôt free jazz ou contemporaines. Le qualificatif de GRM improvisation m'a paru très vite pertinent. Du plus anecdotique au plus chargé de sens aucun son n'est tabou et tous on droit de citation dans la plus stricte tradition de la musique acousmatique. Et dans ce jeu de mémoires cachées, traversent mes oreilles; Bayle, Schwarz & Portal, Parmegiani, j'en passe, et même les sons de Pop Corn, le fameux premier tube de la pop électronique composé par les Pop Corn Makers themselves. Bien souvent après un galop d'essai où les sons très librement sont jetés comme pour une sorte de repérage préalable des possibles, la musique prend très rapidement tournure dégagée de tout complexe. Une dizaine de pièces en deux sets, souvent très vives, denses, ludiques parfois et toujours exaltantes. Il y a dans la manière d'assumer pleinement cette tradition de la musique contemporaine, une parenté certaine avec les plus mémorables réussites de groupes de jazz historique.

John Butcher solo aux Instants Chavirés - Lieux Communs

2006-11-11T13:46:00.000+01:00

Sur scène un micro placé de manière à produire un feedback avec son enceinte atteste de l'évolution engagée par John Butcher dans sa réflexion à l'espace, au son acoustique et repris en diffusion. Ce dispositif sera ponctuellement utilisé comme moyen de sculpter les résonances harmoniques résiduelles (en larsen) de clapotis de tampons des saxophones ou effets de loupe sur quelques tentatives sonores de type musique concrète. Autant le dire tout de suite, cette approche bien que prometteuse n'a pas apporté à cette occasion le résultat escompté. Ce soir son jeu s'élabore en grande partie autour de progressions harmoniques à la manière de Steve Lacy - en hommage ? - mais volontairement continuellement entachées d'oblitérations multiphoniques, de growling, de flatterzung, de répétitions détimbrées d'un même motif,... Toutefois la complexification à l'excès du discours et la volonté compositionnelle toujours présentes alourdissent la forme et pèsent sur l'écoute là ou précisément Lacy à travers la limpidité de son phrasé porté par une pureté sonore unique nous emmenait vers une poétique de l'apesanteur. Le phrasé disparaît parfois pour laisser place au continuum très intense de multiphoniques rêches et granuleux, à des slaps violemment assénés, à des suraigus perforants, probablement les instants ou Butcher approche au plus près d'une matière sonore mais qui sont insuffisants à dissoudre ce sentiment d'assister à une démonstration, une performance monumentale, écrasante. Parce que John Butcher maîtrise aussi bien le ténor que le soprano nous assistons dans le même set à deux parties mimétiques, un cousinage avec permutations de blocs de modes de jeu variés, virtuoses, assujettis aux rythmes respiratoires du musicien. Mais ce qui entérine définitivement l'impossibilité d'écoute c'est probablement cette omniprésence de la pensée formelle, intellectuelle, cette volonté de construire un discours, une cohérence logique, réfléchie, efficace et talentueuse mais qui nous place dès lors en auditeur détaché de cette musique malheureusement trop froide.

Quentin Dubost solo aux Instants Chavirés - Lieux Communs

2006-11-11T02:37:00.000+01:00

Quentin est un musicien très discret qui poursuit son travail avec patience et profondeur. Il nous a livré ce soir un solo de guitare de trente minutes passionnantes et risquées. Car il ne craint pas d'investir dans la perte, de laisser son instrument se montrer récalcitrant - exister au delà de sa volonté - installant un doute salvateur et puissamment dynamique dans le renouvellement des idées musicales. Sa musique se déplie à l'horizontale mais se zèbre constamment verticalement de tranchées fulgurantes, de drop-out aux aspirations vertigineuses, de scories involontaires ou non, de débris de jeu. Les étirements des lignes harmoniques sobrement filtrées se heurtent aux hachures des silences, s'interrompent, reprennent et bifurquent vers d'improbables espaces parasités, inachevés. La forme est conséquente de son geste alliant précision, approximations, effleurements, tentatives, hésitations, incursions. On a le sentiment que sa main gauche est à l'ouvrage directement dans cette matière diffusée, positionnée stratégiquement et se déplaçant autour du chevalet ou des micros pour obtenir les modulations des timbres, tandis qu'à la main droite l'archet contribue tout à la fois à l'entretien du son mais aussi à sa cassure. Des envolées comme des arrachements - des pelures dérobées au silence aussi, puis la perte du signal, l'acoustique qui surgit - survit - entre l'énergie électrique et puis s'en mêle. A trop pousser le jeu il advient que l'ampli se refuse et généreusement nous permet d'entendre un magnifique jeu de grains produits par le jack sur les cordes et décortiqués par l'archet. Mais l'ampli lui ne veut plus rien entendre alors arrêt comme une station vers le prochain solo.

Robin Hayward, solo tuba, Lieux Communs, Montreuil, le 05/11/06

2006-11-06T00:49:00.000+01:00

Il y a sans doute toujours une bonne raison de ne pas se rendre à un concert de musique expérimentale. Ce soir, à défaut du prix - le concert était gratuit - c'est sûrement le froid qui aura été invoqué. Nous étions donc 6 à écouter Robin Hayward pour deux courtes improvisations au tuba. Comme à son habitude, Hayward était assis de profil. Cette position n'est pas anodine chez le musicien, elle lui permet de donner à entendre "directement" les sons produits, c'est-à-dire avant que ces derniers ne soient réfléchis par les murs de l'espace où ils se propagent. Ces sons ne peuvent être émis à haut volume, au risque de perdre leur spécificité. De plus cette position permet à Hayward, tel qu'il l'explique dans son interview du n° 89 de Musicworks, de jouer sur les interférences produites sur le souffle par l'eau qui s'emmagasine dans les valves de l'instrument, ou encore de s'effacer derrière le pavillon protubérant de son instrument afin de supprimer en partie le "spectacle" du corps du musicien qui ne pourrait que perturber l'attention à la seule musique.
La première pièce nous fit ainsi entendre les détails de la salive qui se perd dans la tuyauterie complexe du tuba. La seconde, davantage inscrite dans une approche formelle et également bien plus intéressante à nos oreilles, consistait en une série de jeux de souffles tenus, dont la variation des granulations se mariait de manière particulièrement heureuse avec les infrabasses de la chaussée, que la porte principale restée ouverte laissait passer en même temps qu'une dose supplémentaire de froid. Ce heureux hasard ne doit cependant pas nous faire oublier qu'une musique ne peut prendre tout son intérêt que dans un lieu qui lui est approprié, en l'occurrence non pas un entrepôt mais un lieu de taille réduite, à l'instar de la musique produite et du public présent.